Предисловие

Андрей Рублев. Троица, XV век

Рисунок 1. Андрей Рублев. Троица, XV век

Осознание того, что мир наполнен многообразием цветовых оттенков, которые дано не только видеть, но и воспроизводить, приводит художника в необычайный восторг, пребывание в этой красоте и возможность быть ее частицей доставляет несказанную радость. Цвет и богатство цветовых взаимодействий постоянно беспокоит человека, побуждает искать новые способы и методы их передачи. Цветовые сочетания придают разные оттенки звучанию произведения: от контрастно-мажорных до минорных (на нюансах). Гармонично подобранные цвета создают цветовой колорит произведения. Богатство колористического звучания определяет ценность живописи.

Поиски методов передачи цветового решения картинной плоскости, это, по сути, вся история изобразительного искусства и, в частности, живописи. Исторические памятники показывают, что цвет волновал художников с древнейших времен: это росписи Помпеи, фаюмский портрет, который является предвестником импрессионизма в живописи, великолепнейшие по своим живописным качествам образчики древнерусского искусства (см. рис. 1), живописные поиски художников Возрождения и т. д. В каждый исторический период свои подходы к цвету: то его «закрепощают» в каноны, то, разбивая все цепи, высвобождают, и он звучит по-новому, непривычно, но звонко и великолепно.

Так что же такое живопись?

На этот вопрос отвечают своим творчеством многие поколения художников. Живопись — это, в первую очередь, колорит, то есть цветовая гамма - звонкое, сочное, красивое «пятно». Многие живописные полотна перестали бы представлять художественную ценность, лишись они гармоничных цветовых сочетаний. Когда картинная плоскость воспринимается как звонкий цветовой аккорд, то произведение притягивает внимание и заставляет любоваться и техникой написания, и гармонией цвета, и сюжетом.

Мир изобразительного искусства и, в частности, живописи - прекрасен; для того чтобы его постичь, нужно не только изучать теорию живописного ремесла и овладевать мастерством исполнения, но знать и понимать историческое наследие этого прекрасного мира. Живопись - это наука, и, как наука, она требует изучения, познавания и исследования.

Процесс познания живописи следует начинать с изучения творческого наследия в историческом ракурсе и понимания процессов изменения техники письма, трансформации живописи, того, что способствовало изменению отношения к изобразительному искусству. Все это позволит современному художнику вписаться в реальный творческий процесс.

Начинающему художнику при изучении и анализе работ великих мастеров прошлого необходимо не просто любоваться шедеврами живописи, ио и постараться понять композиционный строй каждой работы, технические приемы художественного выражения.

В любом виде искусства существуют инструменты выражения мысли и чувства. У литераторов - яркое слово, у композиторов - гармония звуков, у художников этими инструментами являются: линия, форма, цвет. Научиться хорошо и правильно срисовывать все, что тебя окружает, это еще не значит стать художником. Настоящим художник становится только тогда, когда любой предмет, часть природы или человеческое лицо становится своего рода посредником между зрителем и мыслью художника, когда художник передает эту мысль, а зритель понимает. Когда посредством изображаемых предметов ведется диалог со зрителем, тогда изображение может называться искусством, тогда художник создал образ.

Изобразительное искусство и, в частности, живопись заслуживают того, чтобы их изучали, постигали, восхищались и мучились творческими поисками. Современное искусство неразрывно связанно с находками прошлых веков. Для того чтобы молодой живописец приобщился к обойме мастеров прошлого и настоящего, как говорил Эмиль Антуан Бурдель, «необходимы два качества: талант и упорство. Без таланта нельзя добиться никакого результата; как редкое растение, его надо обогащать, развивать и укреплять путем постоянного наблюдения жизни. Упорной работой и напряжением воли можно стать хорошим мастером; в этом все» (цит. по [20, с. 106]).

Для того чтобы чего-то достичь, необходимо работать, а для того чтобы продуктивно работать, необходимо любить то, чем занимаешься и знать исследуемый материал.

В педагогической работе с молодыми художниками нельзя диктовать, навязывать свое видение изображаемого объекта, надо дать поверить в себя, в собственное видение цвета, помочь развить его, вооружить техникой владения материалом, то есть ремеслом. Но как научить ремеслу, не вторгаясь в творческие изыски? Первое и главное - донести до студента мысль о поэтапном методе создания произведения, выработать у него умение применять этот метод на практике.

Студент, который только начинает свой творческий путь и перед которым находится объект для изображения, должен решить задачу, как технически выполнить его и с чего начать. Для этого и существуют этапы работы с живописным полотном, которым следовали художники еще в глубокой древности.

Работая над живописным произведением, нельзя полагаться только на сухую теорию, здесь не срабатывает математический расчет и логическая расстановка цветовых пятен. Это необходимо, но должно оставаться в подсознании. Чтобы легко и свободно творить в живописи, прежде всего, нужно проделать огромную работу с моторикой рук. Как говорил великий живописец Аркадий Александрович Пластов, «мастером становишься тогда, когда голова думает что сделать, а рука делает» (цит. по [20]), то есть когда не надо прилагать усилий, чтобы выполнить задуманное, так как руки уже знают, как это сделать. Аналогию можно провести здесь со многими видами искусства, к примеру, пианист вряд ли задумывается, какую клавишу нажать, когда исполняет произведение.

Существует выражение «умная рука»: в результате ежедневных занятий, творческой практики руки становятся послушными, «умными». А когда накоплен опыт - фундамент мастерства, тогда любые творческие фантазии можно реализовать в произведении.

 
Посмотреть оригинал
< Пред   СОДЕРЖАНИЕ   ОРИГИНАЛ   След >