Жанры фотографии как искусства

В настоящее время фотография признана одним из видов изобразительного искусства, родственным живописи, но имеющим существенные отличия от нее. Основное отличие заключается в том, что она достоверно и подлинно запечатлевает те или иные события. Как и художник, фотограф располагает определенным набором изобразительных средств — это точка съемки, ракурс, линейная композиция, перспектива, план и освещение. Основными его инструментами являются фототехника и фотоматериалы — палитра и краски фотографа.

В связи с большим сходством с живописью фотография частично повторяет ее жанры. Принято выделять следующие жанры: анималистический, батальный и бытовой жанры, натюрморт, пейзаж, ню, портрет, автопортрет и флору.

Анималистика (от лат. animal — животное) — жанр, основанный на фотосъемке объектов животного мира — птиц, земноводных, млекопитающих и т.д. В основе жанра лежит естественно-научный подход, так как главной задачей фотографа-анима- листа является съемка животных и птиц в естественной среде их обитания, требует знания повадок и особенностей снимаемого вида.

Анималистические снимки имеют документальную ценность, и вклад фотографов-натуралистов в науку неоценим: фотосъемка животных способствовала многим открытиям. Например, о том, что во время галопа лошади бывают мгновения, когда копыта абсолютно не касаются земли, стало известно лишь после появления в 1878 г. снимков Эдуарда Майбриджа. Человеческий глаз ухватить такой момент не в состоянии.

В настоящее время благодаря фотографиям анималистов внимание людей привлечено к решению проблемы исчезновения многих видов диких животных.

Существует ряд изданий, которые публикуют только работы анималистов. Среди них особенно выделяются: National Geographic — первый научный журнал о мире дикой природы и журнал Geo.

Мастерами анималистического жанра в фотографии считаются: Стив Блум (съемка исчезающих видов животных), Карл

Экли (съемка африканских животных), Джордж Ширас (съемка обитателей северных лесов), а также Стефан Мейерс, Вадим Онищенко, Сумио Харада, Поль Содерс, Кейт Левит, Рольф Хикер, Стив Грир, Мигель Лас, Бенни Ребел и Филипп Кол.

Батальный (от франц. — битва) жанр посвящен фотосъемке военной жизни, морских и сухопутных сражений, учений, походов и эпизодов военной жизни. Этот жанр выступает составной частью исторического жанра, так как документирует происходящие в мире события, фиксирует современную жизнь армии и флота. Художников и фотографов, работающих в этом жанре, называют баталистами. Батальный жанр включает в себя элементы других жанров: бытового (при съемке будничных сцен), портретного (портреты бойцов и полководцев), пейзажного (пейзаж перед боем или после него), анималистического (съемка конницы), марины (съемка флота) и натюрморта (съемка военных атрибутов). В России расцвет батального жанра в живописи произошел в XVIII в. В фотографии стал популярным в XX в. в период Великой Отечественной войны и послевоенные годы. Известные мастера этого жанра: Роберт Капа, Джо Розенталь, Роберт Сарджент.

Бытовой жанр посвящен фотосъемке современных фотографу событий повседневной частной и общественной жизни и является одним из самых распространенных. В период становления жанра фотограф действовал, как живописец: выбирал модель, одежду для нее и помещал ее в соответствующий интерьер. Итоговый снимок получался срежиссированным и напоминал картину. Даже сцены охоты в лесу или прогулки по берегу моря разыгрывались в студии. Ярким примером служит снимок канадского фотографа В. Нотмана, сделанный в ателье в 1860 г. и названный «Сцена лесной охоты». На фотографии хорошо видно, что деревья, камни и мхи бутафорские; не очень живописно выглядит и чучело зверька, за которым якобы идет охота. В позах, одеждах и композиции отчетливо прослеживается подражание живописи.

Однако уже спустя несколько лет фотохудожники стали создавать реальные жанровые снимки, допуская лишь незначительное их режиссирование. Одной из первых известных фотографий этого периода стала «Приставная лестница» Ф. Талбота, снятая в 1845 г.

Развитие жанра связано с появлением новых, высокочувствительных материалов и моментальных затворов, что позволяло исключать из производства натурщиков, долго стоящих в одной позе. Их заменили случайные прохожие, чем-то привлекшие внимание фотографа.

Можно с уверенностью сказать, что эра портативных камер стала эрой расцвета жанровой фотографии. Возможность получения моментальных снимков резко увеличила число фотографий на бытовые темы, так как каждый владелец фотокамеры имел возможность фиксировать те события, которые он считал важными. Однако именно широкая доступность привела к тому, что на композицию стали обращать меньше внимания, в результате чего снимки теряли свою художественную ценность.

Среди мастеров-жанристов можно выделить А. Родченко, снимки которого стали летописью эпохи; А. Шайхета, рассказывавшего о жизни села; Б. Игнатовича, снимавшего крестьян; фотографов, снимающих сценки из жизни рабочих семей, М. Альперта, А. Шайхета, С. Тулеса.

Натюрморт (от франц. nature morte — мертвая природа) — любое изображение неодушевленных предметов. Таким образом, при составлении натюрморта обязательно используются объекты, лишенные жизни: цветок сорван, дичь — убита.

Основная задача фотографа при фотосъемке натюрморта — выделить смысловой и визуальный центр композиции, так как все предметы на снимке даются крупным планом. Это можно сделать несколькими способами: с помощью контраста, яркости, цвета, расположения объектов в кадре и т.д.

Основу любого натюрморта составляет композиция — размещение декоративным образом разных элементов и объектов для передачи определенных чувств, настроения.

Различают два вида натюрморта: о «найденный», когда фотограф только подмечает композицию из предметов и фиксирует ее на пленку или слайд, но не принимает участия в их компоновке;

о постановочный, созданный самим автором работы по своему замыслу.

Жанр натюрморта в фотографии впервые использовал Ипполит Байяр в 1839 г. Он сделал несколько снимков натюрмортов, составленных из гипсовых скульптурой и фрагментов античных фризов. Первое время фотографы копировали не только композиции, но и предметы с живописных натюрмортов и фотографировали их. Лишь спустя какое-то время натюрморт перестал быть комнатным и мастера фотографии стали перебираться на пленер. Это было удобно еще и тем, что фотоматериалы того времени не отличались высокой светочувствительностью, а при съемке на солнце проблема качества фотоснимка была решена. Теперь композиции стали составляться из подручных садовых материалов — лестниц, тачек, ведер, цветов и т.п. Нередко одушевленные объекты соседствовали с неодушевленными предметами.

Однако очень скоро простое составление предметов вместе перестало интересовать фотографов. Постепенно ракурсы становятся более сложными, все большее внимание уделяется фактурам и формам объектов съемки, расширяется круг используемых предметов. На фотоснимках того времени можно увидеть столовые приборы, очки, сложные детали станков и машин, рабочие инструменты и проч. Все это способствует популяризации жанра фотографического натюрморта в рекламной индустрии. В 1944 г. натюрморт, выполненный Ирвином Пенном, украсил обложку модного в то время журнала.

Мастерами натюрморта считаются А. Стиглиц (США), А. Кертеш (Венгрия), Я. Судек (Чехия), А. Родченко, Б. Игнатович, А. Хлебников (СССР).

Пейзаж (от франц. paysage — местность) — и в живописи, и в фотографии изображение природы — леса, поля, гор, рощи, города и т.д. Внутри пейзажного жанра существует собственная градация. Выделяют пейзаж сельский, городской, ведута (городской архитектурный), индустриальный, марина (морской). Также пейзажи различают по настроению: исторический, героический, фантастический, лирический и эпический. Нередко пейзажи делят по времени года: зимний, летний, осенний или весенний. Пейзаж, где присутствуют фигуры людей или животных, носит название стаффажа. Пейзаж небольших деталей ландшафта именуется микропейзажем.

Основу пейзажа могут составлять разные элементы: земная поверхность, растительность, строения, возведенные человеком, перспектива вида, осадки, игра света. По сути пейзаж — это природа, которая окружает человека повседневно. Увидеть гармонию в том, что всегда рядом, очень непросто.

Несмотря на внешнюю простоту, пейзаж является достаточно сложным жанром в фотографии. Для того чтобы создать красивый фотоснимок природы, необходимо особое состояние души, вйдение момента. Для пейзажа гораздо более важными, чем для других жанров, являются детали. По этой причине съемка ведется преимущественно при закрытой диафрагме: от / 16 до 22. При этом фокус наводится на объекты, находящиеся в первой трети кадра.

При съемке пейзажа используют объективы общего назначения с фокусным расстоянием от 18 до 200 мм, а также широкоугольные с фокусным расстоянием от 24 до 35 мм. Самым популярным считается фикс-объектив на 28 мм, так как он практически не искажает перспективу. Нередко используют сверхширокоугольные объективы с фокусным расстоянием менее 24 мм, позволяющие получить необычные искажения. Реже всего при пейзажной съемке применяются телеобъективы (70—300 мм), так как они слишком сильно сжимают перспективу, из-за чего расположенные на разном расстоянии от фотографа объекты визуально выглядят ближе друг к другу.

Основная трудность при работе в жанре пейзажа состоит в большом контрасте снимаемых сцен и маленькой фотошироте используемых светочувствительных материалов. Например, для правильного экспонирования неба требуются более короткие выдержки, чем нужны для проработки объектов в нижней части кадра. Эта разница очень существенна, и выбор экспозиции оказывает прямое влияние на итоговый результат. Фотографу приходится делать выбор между тем, что следует «увести» в тень, а на чем акцентировать внимание зрителя. Равномерно экспонированный кадр получить весьма сложно, и нередко приходится прибегать к услугам графических редакторов, чтобы соединить в одном снимке два кадра с разной экспозицией.

Съемка пейзажа подчиняется правилам композиции, известным в живописи, и для того чтобы снимок доставлял эстетическое удовольствие тем, кто его созерцает, он должен быть скомпонован по всем правилам. Первое правило касается особенностей человеческого зрения. Большинство людей читает слева направо, поэтому их взгляд при рассмотрении чего-либо движется по той же траектории. Отсюда можно сделать вывод: смысловой центр фотографии должен находиться в правой части снимка, чтобы глаз двигался навстречу основному объекту, а не от него.

Второе правило — расположение линии горизонта. Размещение ее точно посередине кадра допустимо лишь в некоторых случаях, когда требуется донести состояние покоя на снимке, что отражает строгое уравновешение верхней и нижней частей, например в воде отражается небо. Во всех остальных случаях линия горизонта должна проходить на расстоянии трети высоты от верхней или нижней границы кадра. Это правило носит название «правило одной трети». Оно справедливо и при горизонтальном, и при вертикальном построении снимка. Если линия горизонта смещена больше чем на треть в ту или иную сторону, одна часть кадра зрительно давит на другую и как бы передает подавленное состояние фотографа. Эта ошибка вызывает негативное отношение зрителей к пейзажу.

Третье правило — учет движения объектов. При съемке необходимо выявлять скрытое движение деревьев, травы, водной глади, видимых глазом при порывах ветра. Для этого следует добавить свободное пространство в кадре в стороне направления движения. Введение в кадр любых линий способно сделать композицию более эффектной. Если эти линии будут сходиться к горизонту, они поведут за собой и взгляд зрителя, как и линии, идущие диагонально из левой нижней части в правую верхнюю.

Четвертое правило — разделение пейзажа на планы. Классический пейзаж имеет три плана — передний, средний и задний. При наличии в кадре только одного плана снимок выглядит плоским и неинтересным. Если в кадр включен передний план, точка съемки должна быть немного опущена. При этом передний план далеко не всегда бывает главным: все зависит от того, что необходимо показать зрителю. При заполнении переднего плана деревьями предпочтение лучше отдать вертикальному построению кадра. Если деревьев много, то кадр может оказаться перегруженным и пестрым. Чтобы этого избежать, следует фотографировать деревья, которые растут не слишком густо, а имеют между собой разрыв в виде поляны.

В таком случае солнечные лучи, проходящие через листву, усилят впечатление глубины кадра.

Пятое правило — выбор времени для съемки каждого конкретного пейзажа. Например: рассеянный натуральный свет подходит для многоплановых пейзажей, встречный направленный — для силуэтных, боковой направленный — для скульптурной и архитектурной съемки.

Оптимальным временем суток является раннее утро, так как боковое освещение подчеркивает формы объектов, а туманная дымка на горизонте создает впечатление глубины.

Для съемки пейзажа подходят и закатные часы. Если снимать закатное солнце, используя телеобъектив, можно получить в кадре очень большое по размеру светило. Чтобы не испортить камеру, замерять экспозицию следует не по солнцу, а по небу. Для усиления теплых оттенков настройку баланса белого изменяют на «тень» или «облачно».

В середине дня вряд ли удастся получить качественный и интересный снимок. Во-первых, из-за марева; это атмосферное явление способствует снижению резкости дальних объектов вследствие устремления вверх сильно нагретого воздуха. Во-вторых, из-за отсутствия на небе облаков, которые, как известно, очень оживляют сюжет. Выбеленное небо может испортить любой, даже самый интересный кадр. В-третьих, верхний свет делает объекты съемки плоскими, лишенными объема и годится только для съемки цветущих маковых и пшеничных полей.

Во время съемки в туман для получения максимальной глубины резкости съемку ведут с наименьшего расстояния. Это избавит от сокращения тонального диапазона снимка и ошибок при выборе правильной экспозиции. Нужно иметь в виду, что туман почти не пропускает красный свет и снимки получаются голубоватыми.

Пасмурный день тоже подходит для съемки в жанре пейзажа. При таком освещении особенно хорошо получается вода. Используя длинную выдержку и штатив, можно передать движение текущего ручья или водопада. При выборе оптимальной выдержки, которая позволит «размыть» воду, необходимо учитывать общую массу потока и скорость его движения. Известно: чем больше воды, тем быстрее создается эффект размытия.

Например, при 1/60 с вода в кадре будет выглядеть так же, как ее видит глаз человека, а при 1/15 с она приобретет гладкость. При выдержке более 1 с можно превратить воду в туманно-молочную субстанцию.

Длинную выдержку при съемке воды лучше использовать в безветренную погоду, иначе не только вода, но и ближайшие ветки кустарников и трава будут одинаково размытыми. Этот эффект особенно заметен при съемке с близкой дистанции. В такой ситуации обычно делают несколько кадров с разными выдержками, а затем «сшивают» их в один снимок с помощью графического редактора.

Среди известных мастеров пейзажного жанра можно выделить: Анселя Адамса (США), которого сделали популярными его черно-белые пейзажи; советского фотографа-пейзажиста Вадима Евгеньевича Гиппенрейтера; итальянских фотохудожников Франко Фонтана и Бруно Стефани.

Обнаженная натура (или «ню», что в переводе с французского звучит как «раздетый, нагой»). В разные периоды истории отношение к жанру менялось в зависимости от смены идеалов красоты, а также общественного мнения.

В XIX в. идеалом женской красоты служили танцовщицы кабаре, в 1920-х гг. — спортсмены и спортсменки. В середине XX в. немецкий фотограф Хельмут Ньютон сделал популярной «агрессивную эротику». Главными героями его работ были длинноногие девушки, неприменно в туфлях на высоких каблуках, снятые снизу вверх. Совсем иной подход к жанру был у чешского фотографа Яна Судека. Он не стремился приукрасить действительность, а наоборот, подчеркивал бренность человеческого тела, его несовершенство и изъяны.

В работах Роберта Мэпплторпа, считающегося ныне классиком черно-белой фотографии, воспеты пластика и красота обнаженного тела, что сближает их с работами античных мастеров.

Самые эффектные снимки обнаженной натуры получаются при выполнении их в высоком или низком ключе. Эти световые схемы больше всего подходят для работы с телом человека. Умеренное освещение кожи получают, используя утренний или вечерний естественный свет из окна. Чтобы его немного рассеять, применяют нейлоновые занавеси или бумажные жалюзи.

При работе на открытом воздухе не следует снимать обнаженную модель под открытым ярким солнцем. Целесообразно использовать отражатель на просвет или разместить модель в тени дерева и тем самым создать более равномерное освещение.

Выбор позы модели диктуется общей идеей снимка, задуманным образом. При расположении фигуры в фас создается ощущение открытости, при съемке со спины — ощущение загадки или безразличия, съемка полуфас или полуспина позволяет решить наибольшее число задач.

Замечено, что сначала внимание зрителя приковывают к себе диагональные линии и только затем горизонтальные и вертикальные. В связи с этим позы, в которых движение направлено по диагонали, более выразительны, чем те, где движение направлено вверх или по горизонтали. Самая длинная линия в кадре вне зависимости от ее направления и положения будет занимать главенствующее положение и составит основу снимка, его смысловой центр. Поэтому именно ей следует отводить наибольшее внимание при работе над позой.

Портрет — изображение человека посредством живописи, графики, скульптуры, литературы или фотографии. Для того чтобы портрет был выразительным, он должен «говорить» со зрителем, нести какую-либо идею. Главное в портрете — это взгляд модели. Зритель всегда будет смотреть туда, куда направлен взгляд человека на портрете. В связи с этим в направлении взгляда оставляют свободное пространство, чтобы глаза изображаемого объекта не упирались в края кадра. При этом в самом снимке обязательно должно присутствовать то, что так заинтересовало снятую модель: тень, сходящиеся в одну точку линии, что-то, что заставило взгляд модели обратиться в ту или иную сторону, привлекло ее внимание.

В жанре портрета существует внутренняя классификация. Портреты принято делить по ряду признаков либо условий, в которых они были сделаны. Портреты классифицируют по условиям съемки на студийные, репортажные или выполненные самостоятельно. Последний носит название автопортрет, который выполняется способами: съемки отражения в зеркале, установки фотоаппарата на автоспуск и с использованием дистанционного пульта управления.

По масштабу изображения человека выделяют портреты: о фрагментарные — портреты, на которых в кадре присутствует только тот или иной фрагмент человеческого лица — его глаза, губы, нос;

о головные — портреты, на которых лицо модели запечатлено полностью;

о погрудные — портреты, выполненные по грудь, включающие в кадр шею и плечи модели;

о поясные — портреты, изображающие человека по пояс. В них основная роль отводится не только лицу, но и рукам, положение которых может многое рассказать о модели; о поколенные — наиболее редкий жанр портрета — изображение человека по колено. Чаще всего на таком портрете модель сидит или лежит. Кадрирование никогда не производится точно по линии сгиба колен, а выполняется чуть ниже их; о в полный рост — портреты, изображающие модель во весь рост.

Классификация портретов производится также по числу запечатленных на них людей. В этом случае различают портреты индивидуальные, или одиночные, парные, или двойные, а также групповые.

В отношении позы модели тоже существует своя градация. Так, различают портреты профильные, «с лица» или анфас, в три четверти (поворот направо или налево) и с затылка.

В настоящее время более популярно разделение, основанное на характере и настроении снимка. В связи с этим выделяют портреты классический, авангардный, свадебный, жанровый, строгий, фривольный, детский, хулиганский, модный, на документы, в интерьере, а также постановочный и случайный.

Независимо от вида портрета с течением времени он может стать научным, историческим или документальным свидетельством эпохи.

Именно портретный жанр фотосъемки сделал фотографию по-настоящему популярной и востребованной. Хотя долгое время для создания портретов применялись громоздкие камеры и светоматериалы, требующие длительного экспонирования, фотопортрет не терял своей привлекательности. Модели готовы были терпеть все трудности и неудобства, лишь бы получить достоверный снимок в довольно короткий по сравнению с живописью промежуток времени.

Очень долгое время фотографы-портретисты работали в одном стиле, используя схожие аксессуары и фон — обычно белый или серый. Позднее популярность приобрели задники с изображением пустыни, озера, сада, лестницы, гостиной и библиотеки. В отношении поз моделей были распространены следующие клише: для портрета спокойного, созерцательного характера велась съемка модели в профиль; фронтальное изображение применялось при необходимости подчеркнуть твердость и достоинство портретируемого; поворот в три четверти был способом выразить на снимке грациозность и изящество модели, а портрет в полный рост был аналогией парадного портрета.

По отношению к портретируемым также было много ограничений, например улыбаться было принято только детям и любящим матерям.

Практически в каждой студии в начале XIX в. имелся сборник рекомендаций, подробно описывающих, что должно быть надето на модели. В связи с нечувствительностью ранних фотоэмульсий к ряду цветов возникали трудности при передаче одежды белого, голубого и бледно-розового цветов. Поэтому съемка маленьких детей, которых чаще всего одевали именно в одежду нежных тонов, всегда стоила намного дороже, чем съемка взрослого человека.

В соответствие с инструкцией должен быть приведен цвет лица и волос. При наличии веснушек лицо рекомендовалось выбелить пудрой, в противном случае на снимке они выглядели как темные пятна.

При съемке портрета необходимо соблюдать следующие основные правила:

о вертикальное расположение кадра более предпочтительно для портрета, нежели горизонтальное; о съемка портрета осуществляется на расстоянии не ближе 1 м от модели, чтобы получить правильную геометрию лица; о при съемке портретов не следует использовать широкоугольные объективы, так как они сильно искажают пропорции лица;

оптимальным фокусным расстоянием для портрета считается 50—100 мм;

о чтобы отделить модель от фона, следует применять максимально открытую диафрагму: f/,% или//4; о освещение для портрета должно скрывать недостатки и подчеркивать достоинства лица модели; портрет должен быть комплиментом, раскрывать характер личности.

Известными представителями портретного жанра в фотографии являются: Сергей Левицкий (портреты Ф.И. Тютчева, А.И. Герцена, И.А. Гончарова, портреты членов императорской семьи), Аведон Ричард (портреты Мэрилин Монро и Джона Кеннеди), Альберт Макс (портрет Валентины Терешковой), Арнольд Ньюман (портреты Пабло Пикассо, Мэрилин Монро), Анри Картье-Брессон и др.

Флора — жанр, основанный на фотографировании растений и цветов в естественной природе. Фотографии комнатных растений и растений из оранжерей не относятся к этому жанру. В связи с тем что в основном приходится работать с маленькими объектами, данный жанр имеет очень много общего с макрофотографией. Основная задача при съемке флоры — показать хрупкость и незащищенность растительного мира. Основными выразительными средствами являются глубина резкости, цветовая гамма и точка съемки.

При съемке растительности часто приходится сталкиваться с таким неблагоприятным фактором, как ветер. Он колышет лепестки цветов, листья, что сильно мешает фокусировке. Для исключения его влияния на снимок используют специальные зажимы для растений и защитные щиты от ветра, которые устанавливают с одной стороны снимаемого объекта. Для борьбы с неоднородным пестрым фоном применяют цветной картон. Размыть фон и отделить от него основной объект позволяет открытая диафрагма.

При съемке флоры действуют те же законы композиции при компоновке кадра, что и при съемке пейзажа. Для съемки наиболее подходящим временем также считается раннее утро, когда на растениях еще присутствует естественная роса. Она придает кадру эффектность и позволяет подчеркнуть игру света на листьях. Как правило, съемкой флоры занимаются фотографы-пейзажисты.

 
Посмотреть оригинал
< Пред   СОДЕРЖАНИЕ   ОРИГИНАЛ   След >